第一章导论

电影，是19世纪末对未来世纪文化产生决定性影响的伟大的科学发明，是大众文化发展的第一步，是现代科学技术的产物。电影经历了从无声到有声，从黑白到彩色，从普通银幕到宽银幕、立体电影、全景电影。科学技术的进步，对电影艺术的发展，对电影语言的创新，甚至对电影美学观念的演变都有着不容忽视的重大影响。
      电影与音乐的有机结合促进了一种新的音乐体裁形式——电影音乐的产生，并使其成为电影这门综合艺术中不可缺少的一个重要组成部分。电影音乐的重要性和可能性大大超出了人们的预想，各种新风格、新体裁的电影音乐不断涌现，成就了许多影史上的经典之作。电影音乐是电影综合艺术中一个重要的有机组成部分，一种新的音乐艺术体裁。
      本章将从电影音乐的概念、与电影中其他声音类型的关系以及电影音乐的基本特征与个性特征四个方面进行论述，帮助大家对电影音乐有一个初步的认识。

●1.1电影音乐综述

     在《电影艺术词典》中，电影音乐指专为影片创作、编配的音乐。是电影综合艺术中一个重要的有机组成部分，一种新的音乐艺术体裁。
       电影音乐的概念具有两层含义：一方面，电影音乐具有音乐的共性特征，作为听觉艺术和时间艺术，音乐进入电影综合艺术之后本质不变，其要素仍是旋律、和声、节奏和色彩；另一方面，电影音乐是音乐艺术中的一种新的体裁，是在影片中体现影片艺术构思的音乐，是电影综合艺术的有机组成部分。电影音乐创作的艺术构思、艺术结构和音乐形象的体现，都受影片的艺术总构思、总结构和画面视觉形象的制约。

●1.2电影艺术中的声音

电影声音是电影媒介基本元素之一。它使电影从纯视觉的媒介变为视听结合的媒介。声音进入电影是电影史上一次伟大的革命。时至今日，声音以其独特的感染力，已经成为电影艺术中不可或缺的重要表现元素；随着技术的不断完善以及艺术上的探索开拓，电影声音己经发展成为一项有着独立美学追求的艺术表现手段。声音与影像相结合，让电影充满了丰富的情感与生命力，使我们对电影理解的广度与深度方面得以拓展。
电影声音主要包括人声、音乐与音响三种类型，他们共同构成了电影的听觉语言，通过与画面的相互配合，极大地增强了电影的艺术表现力和感染力。

●1.3电影音乐的基本特征

电影音乐是音乐艺术中的一种新的体裁，具有音乐的共性特征。因此，电影音乐同样具有以下四个基本特征：
1）电影音乐是声音的艺术：电影音乐是以声音为其表现手段的一种艺术形式，音乐意象的塑造是以有组织的音为材料来完成的。
2）电影音乐是时间的艺术，是指音乐艺术的展现是在一定时间的过程中完成，是随着时间的延续在运动中呈现、发展、结束的。
3）电影音乐是听觉的艺术，是指构成音乐的物质材料是声音，声音是诉诸人的听觉而构成听觉意象的，所以电影音乐是一种听觉的艺术。
4）电影音乐是情感的艺术，是指音乐是最擅长于抒发情感、最能拨动人心弦的艺术形式，它借助声音这个媒介来真实地传达、表现和感受审美情感。

●1.4电影音乐的个性特征

电影音乐遵循音乐艺术的基本特征的同时也具有其个性特征。
电影音乐是电影的重要有机组成部分，是一种与影视视觉影像相联系的特殊的音乐形式，是音乐艺术的一种新的体裁。因而，电影音乐需要融于电影的银幕造型设计之中，以一种既具有一定独立性，又具有视觉配合性的音乐方式存在，形成电影艺术的视听美感。
1）电影音乐的个性特征之一在于表现内容的确定性。
2）电影音乐的个性特征之二是具体运用的综合性。
3）电影音乐的个性特征之三是结构形态的制约性。
4）电影音乐的个性特征之四是传达过程的中介性。

第二章电影音乐的历史

电影从1895年诞生，至今已有一百多年的历史。电影的历史发展经历了无声与有声两个大的阶段。
      无声电影又被称之为“默片”，是指电影胶片本身不能发出声音的电影。电影中既没有语言，也没有音乐与音响，只有一连串活动的影像投射到银幕上。剧中人物的语言是通过动作、姿态以及插入字幕进行间接表达，帮助观众的理解。
       但电影史学家们在每一本关于电影史的著作中都宣称：无声电影从来都不是无声的。因为，从一开始，音乐就以现场演奏的方式伴随着电影的出现，音乐成为电影放映的一个组成部分。
      无声电影音乐从电影诞生之日起至1927年有声电影的产生，历经了三十多年从幼稚到不断完善的过程，积累了不少实践经验，为有声电影的音乐发展奠定了一定的基础。
在无声电影的初期阶段，影片本身是无声的，或许是为了使电影放映这种娱乐形式更加热闹有趣；或者是为了消除或减轻无声带来的视、听不平衡的缺陷，正如美国电影理论家李.R.波布克在《电影的元素》一书中所记载的：“从为无声片伴奏而在蹩脚钢琴上敲出第一个音符时起，音乐就一直是电影影像的一个忠实伴侣。” 电影从诞生之日开始就采用音乐与之相伴随的方式，使得电影音乐与电影同龄。
       20世纪50年代以后，电影音乐有了更完善的发展，它在电影综合艺术中显得更加成熟，更加符合电影艺术的特点。许多电影音乐作品，正是通过银幕而广为流传，经久不衰 。
      总体上，当今的主流电影中的音乐以原先独立的诸类型之间的明显对照和平滑过渡为特征。从民谣、流行乐、摇滚乐、电子乐和爵士乐到传统和现代的管弦乐，整个音乐谱系都有所表现，通常是以匪夷所思的组合和有效的混合。

●2.1无声电影音乐的历史

在默片时代，由于技术的原因，声音不能在放映画面的同时达到同步的效果。但天才的电影人在电影诞生之日就让音乐与之相伴随，创造了电影音乐这一新的体裁形式，使其历经了无声电影时代三十多年的不断创新与实践，从单纯配乐发展到作为电影中不可替代的一部分，掌握了一定的经验，为有声时代音乐的发展奠定了基础。
无声电影时期的音乐形式主要有：
1.音乐家即兴演奏
2.留声机放唱片
3.电影公司提供“配乐单”
4.戏院配乐
5.原创配乐

●2.2有声电影音乐的历史

有声电影产生于20世纪20年代，是指观众既能在银幕上看到画面，又能同时听到剧中人物的语言以及音乐和音效的一种影片。电影由无声发展为有声时期，为了保证还音质量，拍摄和放映的运转速率从原来每秒16格画幅改进为每秒24格画幅。初期以蜡盘（即唱片）发音，后改进为片上发音。
由于声音的加入，电影从无声时期的纯视觉艺术发展为视听结合的艺术。
今天，电影音乐已发展成为音乐艺术的成熟的体裁形式，电影音乐理论已成为电影美学体系的一个独立的学科。随着录音技术的发展，录音器材的灵敏度、精密度的提高以及立体声的运用，电影音乐将越来越美妙、动听；到电影院看电影，欣赏其中的音乐，无疑是一次美好的艺术享受。
1、艺术是相通的，电影被称为第七种艺术，是在综合了三种空间艺术——绘画、建筑和舞蹈与三种时间艺术——音乐、小说和戏剧的基础上而产生的。
2、艺术与其他学科的发展如科技等密不可分。
3、电影音乐的发展与世界整体音乐风格的演变是相关的，他们相互吸收与借鉴；螺旋式发展，体现出复古—再创新的特征。
4、同时，艺术的发展也离不开大胆创新、不断实践的具有创新思维的前人们。
5、艺术的发展也是历史的必然，在未来必将顺应大众的选择、以多样化的形式日趋完善。

第三章电影音乐的构成

电影音乐主要由歌曲和配乐两部分组成。其中，电影歌曲主要分为主题歌和插曲两种形式；配乐主要包括主题音乐、场景音乐和背景音乐三种形式。
       本章节将围绕电影音乐的各个组成部分及其每部分的定义、类型、功能而展开。结合典型性音乐进行具体分析，加强大家的理解。

●3.1电影音乐的构成元素——电影歌曲

电影音乐主要由歌曲和配乐两部分组成。其中，电影歌曲主要分为主题歌和插曲两种形式。
歌曲在电影中的运用相当普遍，特别是在我国的电影之中。
电影歌曲结合了词、曲和人声三个最具有普遍感染力的元素，使其具有较强的表现力和欣赏性。
电影中的主题歌是用于表述影片主题思想或概括影片基本内容、刻画剧中主要人物形象或人物性格、表现戏剧矛盾冲突的歌曲。主题歌常常以先声夺人的艺术感染力把人们带到一个特定的历史情境、文化氛围或某种情感范畴之中。主题歌的存在形式主要有片头、片中和片尾主题歌三种形式。
插曲是在剧情当中出现的歌曲，常出现在一些重要的场景中，与 情节发展紧密相关，常起到表达剧中人物的情感，烘托气氛和造成戏剧性的发展高潮以及承担转场、蒙太奇的作用。
电影歌曲一方面，由于有歌词的引导，歌曲含义的表达较为直接、明晰，有助于吸引观众的注意力、便于更好地理解剧情；但另一方面，歌词的存在也使得观众的想象空间、歌曲的意义拓展能力受到一定的局限性。

●3.2电影音乐的构成元素——电影配乐1

配乐（score）一词具有双重含义,既可以指音乐本身，又可以表示创作音乐的过程。在电影中，“配乐”一词包含广义和狭义两种概念：广义的“配乐”与“音乐”是通用的；而本节所讲授的内容，特指狭义的“配乐”。是指电影音乐中歌曲以外的部分，主要的形态为乐器演奏或人声演唱的无歌词的音乐。
配乐中最引人注目的当属主题音乐，其表现功能与主题歌相同，但却是以器乐形式出现，用以表达影片主题思想、基本情绪或主要人物性格。
由于没有词义限制，可以拥有广阔的想象空间，因此对剧情具有极强的包容性。
主题音乐出现的位置比较灵活，既可以出现在电影的开篇，也可以出现在电影的中间及片尾。
主题音乐的类型可以归纳为：具有哲理情怀的主题音乐；与人物情感、性格、命运相关的主题音乐；具有象征性符号作用的主题音乐等主要类型。

●3.3电影音乐的构成元素——电影配乐2

在电影中，我们将根据事物之间的某种联系，借助音乐的具体表现形态，提炼出某种抽象的意味、含义、情调，从而给观众留下深刻印象，赋予影片以深意的主题音乐称为具有象征性符号作用的主题音乐。
其运用并不局限于对某一场景中情节发展和人物情感发展的配合，对剧情发展似乎并没有直接的表现作用，而是附着在剧情中，每次出现都固执地坚持着它所承载的意味。

在某一个单一场景中使用、只对具体场景发挥作用的音乐，我们称之为场景音乐。
其主要功能是营造戏剧性高潮和推动情节发展，对人物在具体场景中的感情发展变化进行必要的铺垫、烘托与渲染。
场景音乐一般是专门为某一场景而设计、创作，基本上不重复使用。
背景音乐是指电影中标识环境、场合、地域等的一种音乐，功能与环境音响相似，是一种特殊的场景音乐。

第四章电影音乐的表现形式

随着社会、科技的高度发展，多种新技术和手段的不断涌现使视听结合成为发展的趋势。画面和声音成为电影艺术构架的两大支柱，两者的结合相得益彰，体现出电影艺术的结构美、形式美与整体美。
       电影是视听结合的艺术形式，电影的摄影和录音系统可以通过模仿人眼和人耳的功能及其相互的配合作用，为音画结合提供可能性。在电影中，音画结合的方式主要有：音画同步、音画对位与音画平行三种形式。
       音乐蒙太奇在实际操作中可归纳为四种用法，分别是：顺时空音乐蒙太奇、逆时空音乐蒙太奇、超时空音乐蒙太奇和交叉时空音乐蒙太奇。
       音乐蒙太奇是按导演原定的创作构思，用音乐把不同的镜头有机地、艺术地组织在一起，使之产生连贯、对比、联想、衬托悬念等联系以及快慢不同的节奏，从而反映社会生活和思想感情，产生强烈的艺术感染效果的电影叙述和表现手段，具有高度集中概括的能力。

●4.1音乐与画面的关系

音画关系是指音乐与画面在电影中的结合关系，是电影艺术得以成立的基础。电影艺术所使用的任何艺术手法都离不开声音和画面。音画关系处理是否得当，是影响电影作品艺术水准高低和成败的关键所在。
音画结合的原因是多方面的，一方面是基于人的生理原因：
“人类在接受外界事物时，绝对不是依靠某个单独器官去孤立地捕捉信息，而是多个器官会同时作出反应来接收和感知事物”。人类在用“耳”接收音乐声音信息的同时也会主动用“目”去捕捉声音信息源，用“脑”去整合感知到的音乐事件，甚至会用整个身体对音乐感知作出反应。
在心理学研究中，有一种心理现象被称为“联觉”，是指各种感觉之间产生相互作用的心理现象，即对一种感官的刺激作用触发另一种感觉的现象。最常见的联觉是“视听”联觉。音乐审美中的联觉体验可以作为视觉化传播的心理基础，加强艺术感染力，使欣赏者获得丰富的审美体验。
音画结合也有来自艺术自身的原因：
电影艺术的视觉元素和听觉元素之间既有个性，也有共性。两者相辅相成、互相补充。

●4.2音乐声源的出现形式

从音乐的声源是否处于画面所确定的某一场戏的时空来分类，电影音乐可以分为两大类：有源音乐与无源音乐。
有源音乐（Source music）又被称之为现实性音乐、客观的音乐，是指音乐的声源来自于画面所确定的某一场戏的时空。
这类音乐通常在画面上可以找到声音的来源，包括在电影生活场景中出现的各种音乐。例如在音乐会上表演的音乐、歌舞剧音乐、节日歌舞、街头音乐以及通过收音机或录音机播放的音乐。特别引人注目的是剧中主要人物的独唱与对唱、独奏与合奏等等。
无源音乐（underscore music）又被称之为功能性音乐、主观的音乐，这类音乐来自于画面所确定的某一场戏的时空之外，在画面上没有声音的来源。
电影中真正写实的声音是对白与音效，而电影配乐这种非写实的声音，是一种电影艺术的表达技巧，一种电影语言。无源音乐一般是由作曲家专为电影创作的，用来体现编导者的思想意图、润饰和强化电影的效果，着重表现画面中所没有或不能表现的剧中主要人物的动作，特别是心理活动。所以也被称为主观音乐。

●4.3音画结合的方式1

音画同步是指音乐与画面所演绎的内容在节奏、情绪、主题方面一致，可细分为表层同步与深层同步两种类型。在此种结合方式中，音乐常常附属于画面，与画面形成“合一”的关系。
在有声电影的早期阶段，音画结合主要采取"音画同步"的方式。如卓别林（Charlie Chaplin）的影片、马克斯·斯坦纳（max steiner）的配乐作品大多采用这种音画结合的方式。
“音画同步”的方式也常运用于动画影片。人们将源自美国美术电影导演沃尔特-迪士尼（WaltDisney,1901－1966）早、中期电影中以音画同步方式出现的音乐称之为“米老鼠式音乐””(Mickey Mousing)。
深层同步是指音乐与画面的情绪、主题一致，用以烘托、渲染画面的情绪或加强戏剧性矛盾冲突的紧张度，深化视觉效果，丰富画面的层次感和立体感。

●4.4音画结合的方式2

在影片中，音乐与画面中的影像内容所呈现出的节奏、情绪、主题等截然相反，从而产生新的意义或“潜台词”。这种音画结合方式就是音画对位，通过音乐与画面的对立统一，从而达到反映生活的复杂性、多面性，加大影片的信息量，揭示人物内心的矛盾冲突、生活的本质，帮助观众理解影片的深刻内涵，加强影片的艺术感染力的目的。
音画平行也称“音画并行”，指影片中的音乐与画面在艺术上具有相对的独立性与平等性，根据一定的规则相互结合，共同为加强影片的思想感情、艺术风格和戏剧性矛盾冲突服务，利于提炼新的意境、倾向或含义。
此种结合方式中，音乐与画面的关系类似于复调音乐中的各个声部之间既独立又统一的关系。

●4.5音画结合的拓展——音乐蒙太奇1

爱森斯坦在《蒙太奇论》中曾指出：蒙太奇具有对现象的概括性职能，而“这种对所描绘现象的概括形象的职能，都应由音乐来承担”。
所谓音乐蒙太奇，是指用音乐来进行画面的转换和组接，并对相应的镜头、场景加以连贯；音乐不仅成为连接镜头的纽带，同时赋予镜头以镜头之外的涵义。
中国电影出版社出版的《电影艺术词典》中这样解释“音乐的连贯作用”：“用音乐衔接前后两场或更多场戏，组接同一时间不同事件的若干组画面的交替，同一事件的若干不同侧面的各组镜头的交替，电影时间空间的跳跃、交错等等。音乐的这种连贯作用又称‘音乐的蒙太奇’”。
音乐蒙太奇在实际操作中可归纳为四种用法，分别是：顺时空音乐蒙太奇、逆时空音乐蒙太奇、超时空音乐蒙太奇和交叉时空音乐蒙太奇。
顺时空音乐蒙太奇是指按时间顺序在同一个或不同空间场景中用音乐组接不同的镜头，用以支持和加强画面的含义。这种蒙太奇按照事件的逻辑顺序，有节奏地连续叙事，自然流畅，朴实平顺。

●4.6音画结合的拓展——音乐蒙太奇2

在电影中，按时间倒序在同一个或不同空间场景中用音乐组接不同的镜头称为逆时空音乐蒙太奇，这是一种打乱结构的蒙太奇方式，先展现故事的或事件的当前状态，再介绍故事的始末，表现为事件概念上“过去”与“现在”的重新组合。常出现在倒叙的情节，形成时间上的倒转和空间上的过渡。其作用是戏剧性的表现过去事件或补充故事的背景材料；为满足故事人物情绪的需要，而插入重要场景或画面；或满足形式上的风格需要。
超时空音乐蒙太奇是指在总的顺时空组接中，音乐与插入的超越现实时空以外的镜头相组接的方式。此类型运用最广，利于加强影片的节奏、集中概括，节省篇幅，扩大影片的信息量。
交叉时空音乐蒙太奇是指在同一时间用音乐组接不同空间的镜头和画面，数条情节线迅速而频繁地交替剪接在一起，其中一条线索的发展往往影响其他线索，各条线索相互依存，最后汇合在一起。这种剪辑技巧极易引起悬念，造成紧张激烈的气氛，加强矛盾冲突的尖锐性，是掌握观众情绪的有力手法。惊险片、恐怖片和战争片常用此法造成追逐和惊险的场面。

第五章电影音乐的功能

在电影中，音乐究竟发挥着怎样的作用？对于这个问题，电影理论家与导演、配乐家们都给出了各自不同的答案。我们尝试对这些答案进行归纳，对电影音乐的主要功能予以梳理，利于大家更好地理解、赏析电影及其音乐，这无疑是具有一定积极意义的。
       电影音乐作为电影的重要组成部分，与视觉元素相结合，以多种形式、多样的风格出现，在影片中发挥叙事性、抒情性、渲染性、描绘性、结构性、主题性、风格性、评论性等作用，他们既相互独立又相互联系，体现出或单一或复合的多功能性。同时，电影音乐也已经上升为一种音乐文化现象，我们在欣赏电影时需要细细体味，以便更好的理解电影及其魅力。
       电影借助音乐并广泛应用的主要目的之一，是用音乐加强影片的感情色彩，加强人物的动作性、揭示人物的内心世界，表达银幕上无法直观的人物复杂的内心情感，从而促成整部影片与观众情感的契合。因此，抒情性成为电影音乐最主要的功能之一。
        电影音乐还能发挥评论作用，正如德国著名作曲家汉·艾斯勒(1898——1962)所说：“音乐像一个旁观者对画面进行评论。”
      匈牙利巳故著名电影理论家贝拉·巴拉兹在他的著作《电影美学》中指出：“声音将不仅是画面的必然产物，它将成为主题，成为动作的源泉和成因。换句话说，它将成为影片的一个剧作元素。音乐在影片中的剧作之用是显而易见的，是一般的音响所不及的。换句话说，在影片里，如果去掉音乐，故事情节将发生中断而连接不起来，影响观众对剧情的理解。

●5.1电影音乐的作用1

当代音乐符号学大师让-雅克.纳蒂埃(Jean-Jacques Nattiez,1945-)认为：对听众而言，音乐“本身不是叙事，而是叙事缺席的音乐中的结构分析”。音乐从“故事”、“时空”、“观众接受心理”三个方面对电影叙事的构建产生作用。
首先，故事是电影叙事的基础。音乐通过充当叙事线索、隐含的叙事工具、隐喻、象征等方式，实现对故事的构建。音乐是抽象的艺术，但音乐的结构与叙事文本的结构具有相同之处，通过通感、结构匹配，可以建立音乐与影像叙事之间的某种对应关系，用音乐支持、构造着叙事；音乐具有显在或隐含的叙事特征，它擅长表现各种情感状态。观众可以凭借自身经验，将情感状态连接起来，虚构成一连串有一定次序、规律和逻辑关系的叙事情节。
其次，电影叙事中的时间与空间可以通过音乐来标记。音乐成为制造电影时空畸变的主要手段。
再次，电影音乐的任务是，把零碎的视听信息转变为一个连贯的整体，一个感知的格式塔(Gestalt，亦译“完形”)。可以把整个电影视为一个“格式塔”，一个整体，在电影中，每一个画面都可以看作是一个单独的元素，这些单独的画面以多种多样的音乐艺术内容和音乐表现形式为载体，有机地整合观众的接受心理。

●5.2电影音乐的作用2

电影大师伯格曼曾说：“电影和音乐一样，直接作用于人的情感。”
音乐的抒情性首先表现在音乐的音响在空间所具有的扩散力和穿透力，能够对人的生理、心理产生一种强烈的刺激和感染力，使音乐的感知与情感的体验之间具有一种密切的直接联系。
其次，音乐的抒情性还表现在音乐能利用特定的音响变化与特定情感起伏的复杂对应关系，来抒发人的丰富复杂的情绪和情感并引起他人的情感体验与共鸣。
同时，音乐在传达人的内在情感方面，具有极大的优势，它虽不善于复写客观现实，却能深入心灵。黑格尔认为，在音乐中，外在的客观性消失了，作品与欣赏者的分离也消失了，音乐作品于是透入人心与主体合而为一，就是这个原因，使音乐成为最具情感的艺术。
电影音乐还能发挥评论作用，在电影中使用音乐表达创作者对影片中人物或事件所持的歌颂、赞美、同情、控诉、谴责等主观态度。

●5.3电影音乐的作用3

音乐能为影片的整体或局部渲染一种特定的气氛基调，从而深化视觉效果，增强画面的感染力。这时，音乐不再是简单重复画面的内容，而是细致入微地为影片营造一种背景氛围。
电影音乐的渲染性具体可以细分为渲染环境气氛、渲染时代气氛、渲染地方色彩、渲染民族特点等方面。
音乐可以为整部影片渲染一种总体的环境气氛。同时，音乐也可以为影片的局部渲染、制造气氛。在一部影片中，有时影片的某个场面营造的是一种特定环境的气氛：或是紧张或是轻松，或是喧闹或是静寂等等。
音乐作为听觉艺术的魅力可以超越时代和民族，但每一个音乐作品都产生于特定的历史时期，因其表现内容、音调、演奏演唱方式以及配器、审美取向不同而各具特色。因此，有些音乐作品可以成为特定时代的文化表征。
电影根据影片故事发生的地点，选用具有当地特色的传统音乐（包括民歌、说唱、戏曲、器乐等类型）或流行音乐作品，即可为影片营造出浓郁的地方特色，帮助观众了解故事发生的具体地理区域以及剧中人物的身份。
在电影中，根据影片所反映的不同民族的人物或事件，选用具有该民族特性的音乐，能够突出民族文化，渲染影片的民族特色。

●5.4电影音乐的作用4

电影音乐借助音乐手段为画面提供一种声音的造型，我们称之为音乐的描绘性或造型性功能。
电影音乐通过特定的音响组合营造空间感、通过音响的不同色彩与运动模仿自然界的声音与运动状态，借助象征或暗示激发观众对具体景象及视觉形象或画面的想象。
音乐的结构作用首先体现为转场。其次，音乐具有连贯镜头、推动剧情的发展、延伸情绪和加强蒙太奇的组接作用。再次，通过音乐的重复和变奏等，能够实现影片整体结构的统一。
每一部电影都有它所要表达的主题思想。电影中的各个艺术元素，诸如导演、摄影、表演、美术……都围绕着主题思想而发挥着各自不同的作用。电影音乐则用音乐这一手段为深化影片的主题思想发挥自己独特的作用。
电影风格，是指电影艺术家在电影创作中所形成的具有一定稳定性的创作个性与艺术特色。艺术风格既可以是一种个人风格，也可以是集体风格，如民族风格、时代风格、流派风格等。
音乐可以确定一部影片的风格。

第六章中国电影音乐

电影音乐伴随着中国电影的百年岁月在历史上留下了自己的足迹，印证着她最初的稚嫩，曾经的探索和如今的成熟。中国电影音乐专题将分为大陆和香港两大板块进行分别论述。
      中国大陆电影音乐的发展历经了四个大的发展阶段，分别是：新中国成立前的萌芽与初创期、建国十七年时的发展期、十年文革的断层期以及文革结束后的新时期。
      在中国大陆电影音乐的萌芽与初创期，电影音乐对中国传统音乐中的戏曲、民歌、民族器乐等元素予以吸收、借鉴，逐渐形成以电影歌曲为主流的特色。歌曲在影片中多以插曲形式出现，由剧中人物唱出，真实、自然，符合现实主义的创作风格。在众多的电影歌曲中也出现了主题歌的雏形，起到了主题歌的作用。
       电影歌曲随着影片的放映广为流传，成为中国娱乐性通俗音乐的主体、时代之声。
      纵观整个中国内地电影音乐的发展，在漫漫长河中，它经历了萌生、发展、挫折、辉煌的过程，时至今日向世界展现它独特的魅力和勃勃生机。正如杨宣华在《中国电影音乐发展研究 大陆部分》书中所言“中国电影音乐从最初的单纯借鉴、直接引用西方古典音乐或我国民族民间音乐，到后来邀请专业作曲家为电影创作音乐；从仅仅以填补声音空白为目的，到有意识地参与叙事并在强调影片戏剧性、刻画人物形象性格、烘托场景气氛等方面发挥重要作用，中国电影音乐的发展经历了从无意识到有意识、从简单到复杂的曲折历程，在不同历史时期表现出不同的风格特征。”
       中国香港电影历经了一系列的发展时期： 从19世纪末开始的初创期；20世纪40年代后期至50年代中的延续期；到上个世纪五六十年代中，产量质量皆优的黄金时期；继而经历短暂的过渡转型期；进入20世纪80年代的繁荣时期，取得辉煌的成就；最后进入风格化时期。
       在其发展的过程中，受到岭南本土音乐文化、传统中原音乐文化以及外国音乐文化三种不同音乐文化的影响，不断吸收、借鉴、融合、创新，产生了一首首脍炙人口的经典曲目，形成了香港电影音乐独树一帜的文化格局。
       中国电影音乐的艺术流变，是和整个时代的大背景、文艺与政治的相互关系以及创作理念和技法的不断变化息息相关的。我们有理由相信，在理论界和创作界的共同努力下，中国电影音乐的明天将会更加美好。

●6.1中国大陆电影音乐

中国电影音乐
中国电影音乐发展的第一阶段是新中国成立前的萌芽与初创期（1905－1949）
中国的电影工业与艺术，早期的发生与发展几乎与国际同步。世界电影诞生的十年后，1905年的秋天，任景丰利用他在北京开设的丰泰照相馆，由自己策划，由该馆照相技师刘仲伦担任摄影师，拍摄了由著名京剧表演艺术家谭鑫培主演的京剧《定军山》中的“请缨”、“舞刀”、“交锋”等场面，前后拍摄了三天，共成影片三本。
《定军山》是中国人自己拍摄的第一部戏剧电影，标志着中国电影的诞生；开启了新兴的电影艺术与古老的中国戏曲相结合的先河。
新中国成立后直至1966年被称为建国十七年时期，是中国电影音乐发展的第二阶段。总体而言，在此阶段，我国电影音乐的水平有了长足的进步，电影音乐发展进入高速发展期。
十年文革(1966-1976)使中国整个文化事业遭受重创，中国电影艺术经历了一个被扼杀窒息的断层期。十年浩劫对电影事业的影响不仅仅是使其发展停滞了十年，更遗憾的是它对创作者思想的束缚。
1976年10月，粉碎四人帮宣告了长达十年的文革时期的结束。在解放思想和改革开放的社会大背景下，中国电影进入了一个全新的历史发展时期。
进入20世纪80年代，随着各种电影奖项如中国大众电影百花奖的恢复、中国电影金鸡奖的设立等，促进了中国电影的进一步提高与发展，其中对最佳电影音乐的评选也使人们更多地关注到了电影音乐这一边缘性的领域。

香港电影历经了一系列的发展时期：
从19世纪末开始的初创期；20世纪40年代后期至50年代中的延续期；到上个世纪五六十年代中，产量质量皆优的黄金时期；继而经历短暂的过渡转型期；进入20世纪80年代的繁荣时期，取得辉煌的成就；最后进入风格化时期。
在其发展的过程中，受到岭南本土音乐文化、传统中原音乐文化以及外国音乐文化三种不同音乐文化的影响，不断吸收、借鉴、融合、创新，产生了一首首脍炙人口的经典曲目，形成了香港电影音乐独树一帜的文化格局。

●6.2中国香港电影音乐

       享有“东方之珠”美誉的中华人民共和国香港特别行政区，在其独特的政治、经济、文化的历史和现实环境中逐渐发展成为一个举世瞩目的国际化大都市。
       香港电影在特定的时空中，在多种文化的撞击下，也创造了诸多电影神话，蜚声海内外，从而发展成为中国电影中一个具有鲜明特色与独特魅力的重要分支，在中外电影史上占有一席之地。
      有关香港电影的最早放映时间，据澳大利亚学者法兰·宾(Frank Bren)和香港学者罗卡考证得知，应为1897年4月26日，法国人莫里斯· 萨维特(Maurice Charvet)在香港的放映活动。1897年7月，美国爱迪生公司派人在香港进行放映示范；次年，爱迪生公司在香港拍摄了一批影像资料。爱迪生公司在香港的电影放映与拍摄活动，启蒙了香港电影业，促进了香港本土制片业的萌芽和起步。
       香港出品的第一部电影是《庄子试妻》（Chuang Tzu Tests His Wife，1914），标志着香港电影制片业破土而出，是香港影人进行电影艺术探索的开端。
       之后，香港电影历经了一系列的发展时期：
       从19世纪末开始的初创期；20世纪40年代后期至50年代中的延续期；到上个世纪五六十年代中，产量质量皆优的黄金时期；继而经历短暂的过渡转型期；进入20世纪80年代的繁荣时期，取得辉煌的成就；最后进入风格化时期。
       香港电影音乐的发展与电影自身的发展同步，同样走过了六个大的发展阶段。
       香港在地理位置上属于广义的岭南地区，接近95%的人口以华人为主，大部分居民原籍广东，粤语是其主要语言之一。香港的音乐文化不可避免地受到岭南本土音乐文化的影响。
       传统中原音乐文化作为母体文化，以其博大、深厚的历史稳固性和源源不绝的内地支援在不同历史时期对香港电影音乐文化产生了一定的影响，并逐渐形成了内地与香港电影文化优势互补和资源共享的交流格局。
香港从1841年被英国侵占为殖民地，到1997年7月1日，中国政府对香港恢复行使主权，成立香港特别行政区，经历了150余年的殖民统治历史。代表殖民地统治者文化意识的西方文化作为一种强势文化在香港登陆，之后随着全球化的时代到来，对香港文化产生了一定的影响。

第七章纪录片中的音乐

纪录片是电影作品中的一种类型，其产生与电影的起源密切相关。纪录片在电影理论和实践家们的共同努力下应运而生，并最终获得了独立地位，逐渐发展成为一种兼具艺术、新闻和教育特质的电影样式。
       世界公认的第一部真正意义的纪录片是由被誉为“纪录片之父”的罗伯特·J．弗拉哈迪（Robert Flaherty）于1922年摄制的《北方的纳努克》(Nanook of the North)。“纪录片”这个概念是弗拉哈迪的弟子——英国人约翰·格里尔逊(John Grierson)于1926年首先提出。
       目前，国内外对于“纪录片”的定义是在不断发展、完善之中。我国比较公认的表述是：以真人真事为表现对象，不经过虚构，从现实生活中选取典型，提炼主题，直接反映现实生活。纪录片的原则是真实，不允许虚假；它的艺术创造天地在于创作者敏锐的发现、深邃的思考、独到的见解和对现实所提供的形象别具匠心的组织及再现。
       纪录片的特点是纪实性：纪录、反映真人、真事、真史实、真环境。根据创作风格，可以划分为侧重于展现生活或事物本身的纪实纪录片以及通过客体事物的描述,来抒发作者的思想情感,表达主观感受的写意纪录片。

●7.1纪录片中的音乐概述

       纪录片题材、内容的多样性决定了其音乐风格和创作手法的多样性。通常来说，纪录片的音乐形象比较集中，客观性较强，往往与影片的内容和风格相统一，用以概括影片的主题思想和基本情绪。
《喜马拉雅》（Himalaya: L'Enfance D'Un Chef）是1999年上映的影片，曾获得第25届法国凯撒奖最佳配乐和最佳摄影奖。影片是讲述喜马拉雅山上尼泊尔西北方的一个部落酋长少年时的故事。
《迁徙的鸟》（Le peuple migrateur，2001）作为一部拍摄候鸟迁徙过程的自然类纪录片，以纪实的手法、写意的风格，声画的有机结合，为观众呈现了一场令人震撼的视听盛宴；展示了自然与生命的奇迹；赋予影片以人文主义精神；表达了创作者对人类社会和自然世界的关注与思考。
《德拉姆》 (2004) 是由田壮壮导演的记录茶马古道怒江流域段马帮及此区域原住民的生活的影片，荣获2004年中国电影华表奖优秀数字电影奖。

●7.2音乐纪录片的类型1

音乐纪录片,是以影像的形式记录与音乐有关的音乐历史、人物、事件等的影片。它不仅可以使人欣赏到不同风格流派的音乐，深入了解其发展的历程；还可以通过观赏大量真实、精彩的现场演绎，了解不同音乐人的从艺经历及心路历程；同时还能够通过画面去诠释音乐故事，挖掘音乐背后的文化积淀。音乐纪录片以其珍贵的史料价值、深刻的思想启迪和强烈的艺术感染力成为纪录片领域内重要的组成部分。
《从毛泽东到莫扎特：艾萨克·斯特恩在中国》 （From Mao to Mozart: Isaac Stern in China，1981）是一部由美国导演艾伦·米勒（Murray Lerne）执导， 1981年上映的影片。
《乐满哈瓦那》 (Buena Vista Social Club) 又译为《乐士浮生录》，是1999年出品的电影。

●7.3音乐纪录片的类型2

在纪录片中，有一类专门纪录人物生平或某一时期经历的纪录影片，我们称之为传记片。音乐传记片是以特定的音乐人物为中心，以展现真实为本质，并对其进行艺术的加工与展现的影片。影片使观众通过银幕，看到一个完整的、栩栩如生的历史人物形象，具有一定的教育功能与文学和史学价值。
《没有家的方向：鲍勃·迪伦》(No Direction Home: Bob Dylan) 是一部2005年由美国名导马丁·斯科塞斯（Martin Scorsese）执导的有关民谣歌手鲍勃·迪伦的纪录片。片名源自迪伦的名曲《犹如滚石》（Like a Rolling Stone，1965）中的一句歌词，该片曾获格莱美“最佳长篇音乐影像”奖。
观看完全片，我们可以得知，迪伦在其一生的演艺生涯中不断创新、不断前行：他从20世纪80年代末开始就一直举办 “永不停息巡演”（Never Ending Tour）；从早期模仿民谣、蓝调及乡村等多种音乐风格到兼收并蓄、不断创造新风格；他让歌词成为美妙的诗篇，赋予歌词深刻的内涵、时代的气息，给人以启发、激励；他从不在乎他人的眼光和评价，不愿固守陈规，不断颠覆音乐，改变自己。

●7.4音乐纪录片的类型3

《寻找小糖人》（Searching for Sugar Man） 是由瑞典导演马利克·本德让劳尔（Malik Bendjelloul）2012年执导的纪录片。曾获第85届奥斯卡金像奖最佳纪录长片、第28届圣丹斯电影节评审团特别奖等多项奖项。
该片既是一部人物传记片，也是一部音乐纪录片。片名中的“小糖人”（《Sugar Man》）其实是一首歌曲的曲名；影片以充满悬念的叙事手段和场景，展开了一段寻访“小糖人”歌曲的创作者、歌手的旅程。影片通过采访和录像资料的剪辑配合来自罗德里格斯发行专辑中的14首歌曲，刻画了一个伟大而又平凡的人物，向世界展示了一个底特律民谣歌手的传奇人生。

●7.5音乐纪录片的类型4

在音乐纪录片中，有一类专门拍摄演唱会现场以及音乐节的影片，力图通过影像的形式，拼贴、还原音乐史上意义非凡的人物或事件，再现历史语境中的临场感，挖掘幕后鲜为人知的故事。
史上投资最高、全球75个国家同步上映的纪录片非《迈克尔·杰克逊：谢幕绝唱》（Michael Jackson: This Is it，2009）莫属。这是一部以流行音乐之王迈克尔·杰克逊生前未能完成的演唱会"This Is It"命名的影片。
在有关音乐节的纪录片中，以拍摄世界知名音乐节的纪录片值得关注。
伍德斯托克音乐节(Woodstock Rock Festival)，又译作“胡士托音乐节“，是世界最知名的摇滚音乐节之一。格拉斯通伯里音乐节（glastonbury festival）被称为“英国的伍德斯托克”，是当今世界上规模最大的绿地音乐节。丹麦罗斯基勒音乐节（Roskilde Festival）始于1971年，每年都固定在丹麦城市罗斯基勒的一个大牧场举行。经过40年的发展，现已成为北欧规模最大的夏季户外音乐节，世界上最有影响的音乐节之一。

第八章动画片中的音乐

本章节将通过结合经典范例论述动画电影音乐的特点、发展史及其类型。
       动画电影音乐的发展从早期单纯的吸引观众注意力、附属于画面的米老鼠式音画同步的阶段，逐步进入到重视旋律性、戏剧性和多种风格的音乐阶段。
        配乐类型多种多样：有声源不同的声乐型与器乐型、音乐风格各异的传统型与流行型、创作手法不同的既存型与原创型以及运用手法不同的单一型与综合型。每种类型都各具特色。动画音乐的注入，不仅能够彰显动画角色性格、抒发情感、深化主题，同时，随着剧情的发展和变化，使虚幻的动画世界变得栩栩如生，为整个动画影片带来活力。

●8.1动画片中的音乐概述

在动画片中，声音与画面是两个同等重要的有机组成部分，共同体现其影片的风格与魅力。作为声音元素之一的音乐在动画片中扮演着重要的角色，发挥着多重美学功能，以其独特的表现手法和艺术感染力，直接影响着动画片的整体艺术品质。
据动画影片的历史记载，沃尔特·迪斯尼在观看了世界第一部有声电影《爵士歌王》（The Jazz Singer，1927）之后，受其启发。率先将同步声音，包括人声、音乐、音响引入动画影片中以增强影片的吸引力。
1928年11月，米老鼠系列动画短片之一《蒸汽船威利号》(Steamboat Willie)在纽约城的殖民（Colony）大戏院首映，反响空前！这部影片成为了全世界第一部公映的有声动画影片，它也确立了有声动画影片的初步形态，即：“滑稽的动作加上与之相适合的音乐”。 从此，动画与音乐结下不解之缘。

●8.2动画片的音乐发展史

       从动画电影自身的特性来说，动画影片是由一幅幅有连贯性动作的画面组成的，通过逐格摄影、连续放映，利用人类 “视觉暂留”的特性，即人的眼睛看到一幅画或一个物体后，在0.34秒内不会消失。给视觉造成连续变化的图画，在银幕上产生活动的影像。
       音乐的加入，无异于为动画影片插上了理想的翅膀，使其充分发挥视听艺术的魅力。迪斯尼首创的音画同步的方式带领动画影片进入到一个视听结合的新阶段。
       20世纪二三十年代是以迪士尼动画为代表的美国动画飞速发展并奠定基础的时期，也是世界动画电影的第一个“黄金年代”。
20世纪40年代初期，原创性音乐已经成为动画电影音乐创作的主流。
       到了 20 世纪 50至80 年代，随着动画电影技术的不断发展成熟及其受众年龄阶段的扩大，对动画电影音乐也提出了更高的要求：音乐不仅要满足娱乐性、商业性，同时也要具备艺术性与多功能性。
       到了 20 世纪 90 年代，电影音乐更加注重通俗性、商业性、娱乐性、创新性的发展。 

●8.3动画片的音乐类型1

动画电影音乐随着时代的更替、技术的进步在不断发展变化着。在其发展过程中自然形成了若干种音乐类型，每一种类型都各具特色。
声乐与器乐是音乐创作和表演的两大门类。动画电影音乐按照“声源”的不同，可以细分为声乐型与器乐型。
声乐型动画电影音乐是一种通过音乐与文学(歌词)相结合的方式，以演唱的形式来直抒胸臆，配合画面来加强观众的理解，增强影片的艺术感染力的类型。
器乐型动画电影音乐以千差万别的乐器音色, 给人造成多样的听觉美感；同时，由于摆脱了歌词的束缚，能够结合画面展现出丰富的艺术表现力，赋予观众无限的想象空间。
动画电影不是基于真实世界，本身具有高度想象性且非常风格化。动画电影音乐与动画特征相匹配，也具有与之相适应的特点——风格化。动画电影音乐的风格总体可以分为两大类：传统型与流行型。
传统型是动画电影早期比较喜爱选用的配乐类型，其古典、民族曲风与早期动画的题材、风格相匹配，曾经创造了无数的经典之作；流行型是动画电影配乐发展的趋势所在，体现出与时代、观众需求相适应的特点。两者各有千秋，互为补充，体现出动画电影音乐风格的多元性。

●8.4动画片的音乐类型2

      在动画电影中，根据电影音乐创作手法的不同，可以将其分为既存型与原创型两大类。
       既存型动画电影音乐是指在动画片中原样或改编既存（已有）音乐使之符合影片需要的音乐类型。
经典的既存音乐以熟悉的曲调不仅拉近了观众与影片的距离，令人印象深刻、回味无穷；同时通过一定程度的改编以及音乐与画面的配合，能够为观众带来新的审美体验，易于观众接受和传唱，显现出浓郁的娱乐性与商业性特征。这种运用既存型电影音乐的方式属于一种比较讨巧的方式，既保留了原曲的精髓，又能够以通俗易懂的方式满足电影的音乐创作需求、提高观众的接受度。
原创型动画电影音乐是指专门为了某部影片而创作的音乐。
原创型动画电影音乐以令人耳目一新的感觉，表现出个性张扬、与众不同的特征，完美地体现导演的艺术构思与审美追求。
在动画电影中，依据音乐运用方式的不同，可以将其分为单一型与综合型两大类。
单一型是指整部电影音乐为某一种类型或风格，全片的音乐给人的整体印象协调、统一。
综合型是指整部电影音乐融合多种音乐类型或风格，体现出音乐文化的多样性与多元化特征。

●8.5经典动画片音乐赏析1

经典动画片音乐赏析1

●8.6经典动画片音乐赏析2

经典动画片音乐赏析2

第九章歌舞片中的音乐

歌舞片，是电影百花园中一种极为重要的片种和类型，它与有声电影几乎同时诞生，通常是指在故事的叙事进程中包含大量歌唱段落与舞蹈场景的电影艺术表现形式。歌舞片的素材主要来自轻歌剧、杂耍歌舞、音乐喜剧、音乐剧、歌舞剧以及轻歌舞剧等多种大众娱乐艺术。
      本章总体上涵盖九个部分的内容。分别讲述歌舞片的概念与历史、歌舞片音乐的主要风格与类型、根据百老汇经典音乐剧改编的歌舞片音乐、安德鲁∙劳埃德∙韦伯的音乐剧电影音乐、斯蒂芬∙桑德海姆的音乐剧电影音乐以及克劳德∙米歇尔∙勋伯格的音乐剧电影音乐。通过对相关概念、知识的归纳、总结与拓展，同时针对大量经典作品案例的分析与解读，旨在让同学们充分体验和领悟歌舞片音乐的魅力与特色，探究并捕捉歌舞片音乐的奥妙所在。

●9.1歌舞片的概念与历史

1927年4月，华纳公司结束了电影默片的时代，与此同时也拉开了所谓歌舞电影的序幕。1930年代的美国尽管深处经济危机的大萧条时代，但却成就了歌舞片发展史上的“黄金岁月”。
如果说20世纪50年代之前的歌舞片主流是凸显奇观元素但同时却对歌舞与剧情之间的紧密联系加以弱化，那么在50年代之后便逐渐摸索出了一条让剧情和歌舞相融合的路径，音乐和舞蹈理所当然地成为推动剧情发展的重要手段。1960年代，歌舞电影在美国进入了黄金期，一大批经典影片相继诞生。尽管，歌舞片的发展在70年代呈现出某种程度上的衰落趋势，但1980年代至90年代，歌舞片又重新迎来了新的发展契机。20世纪90年代末至今，歌舞片进入了一个全新的发展时期，不仅主流的美式歌舞片佳作层出不穷，与此同时，欧洲和亚洲的歌舞片也得到了飞速的发展。

●9.2歌舞片中的主要音乐风格与类型1

音乐风格，即我们常常讲的曲风，通常是指音乐结构中如旋律、节奏、音色、力度、和声、织体和曲式等各种要素组合在一起后所呈现出的基本面貌。这些要素的特殊结合方式能产生一种显著的或独特的音响形式。从这一讲开始，我们将为大家解析歌舞片中具有代表性的音乐风格。
歌剧是拥有400多年历史的传统古典音乐戏剧类型，同普遍意义上的流行音乐相比，歌剧音乐具有更为复杂和严谨的形式结构，同时也对演唱者的发声技巧有着更高的要求，其音乐方面常常体现出高雅和艺术化的风格特色。影片《剧院魅影》和《悲惨世界》就是借助歌剧的风格与形式来讲述剧情的极佳范例。与《悲惨世界》中大歌剧式的史诗风相对立的是一种更为轻松活泼的“小歌剧”风格，获得1964年奥斯卡最佳影片的《窈窕淑女》就是运用小歌剧风格的典型代表。

●9.3歌舞片中的主要音乐风格与类型2

爵士乐是西方流行音乐中与古典音乐联系较为紧密的一种类型，通常由3-8人组成的小乐队或10-15人构成的大乐队演奏。爵士乐大多采用布鲁斯音阶（降低大调音阶的III、V、VII级音）、切分节奏以及复杂的和声语汇，因此具有鲜明的风格韵味。以爵士乐为风格基调的歌舞片有《滑稽脸》、《一个美国人在巴黎》、《芝加哥》、《爱乐之城》等。
摇滚乐是20世纪50年代中期开始出现的一种影响力极为深远的流行音乐类型。尽管风格包罗万象，但摇滚乐通常是指节奏感强烈，以电吉他、电贝司和鼓为主要伴奏乐器，通过电声化将乐队的音量极度放大，而在歌唱方面则带有喊叫、呜咽、咆哮并使用喉声和假声的技巧。代表性的摇滚歌舞片有《毛发》、《油脂》《摇滚校园》、《摇滚年代》等。

●9.4歌舞片中的主要音乐风格与类型3

在某些歌舞片中，音乐风格的多元化并置与融合构成了一种较为显著的现象。比如2005年上映的美国电影《吉屋出租》（RENT, 2005）就展现了多种风格的自由融汇。
电影中的音乐除了具有抒情功能外，还需要承担交代背景、描绘场景、渲染气氛和塑造人物、揭示主题等方面的作用。因此，作曲家必须拥有驾驭更多曲风的创作能力，在必要的情况下，充分考虑如何在电影中的特定情境下设置除西方古典音乐和主流欧美流行音乐风格之外的音乐类型。伯恩斯坦是美国当代大师级的音乐家，他所创作的舞台音乐剧《西区故事》于1961年被搬上大银幕。影片中活力四射的重唱曲“美国”，巧妙融合了拉丁风格的歌曲与舞蹈，给观众留下深刻印象。在迪士尼在公司1998年推出的动画版歌舞电影《花木兰》中，配乐作曲家戈德史密斯在许多场景音乐和歌曲中有意识地添加中国音乐元素，使之更具“异国情调”。

●9.5百老汇经典音乐剧改编的歌舞片音乐赏析

百老汇（broadway）是世界音乐剧的诞生地与发展中心。早期的歌舞片制作团队常常向百老汇寻求创作的灵感，后来更出现大量直接改编已在剧院取得成功的剧目的做法，音乐剧电影的出现可以说确保了歌舞片的艺术品质和商业价值。
《演艺船》(Show Boat)是百老汇音乐剧历史上第一部具有里程碑意义的作品，该剧在1936和1951年先后被搬上大银幕。影片中的音乐语言显示出多元化的样态，作曲家科恩大量借鉴美国民间音乐和黑人音乐的素材、语汇，将布鲁斯、拉格泰姆、爵士乐以及黑人宗教福音歌曲等多种曲风融汇于作品的音乐创作中。《俄克拉荷马》《OKlahoma，1999》是罗杰斯与哈默斯坦合作完成的第一部音乐剧作品，被誉为“继《演艺船》后美国音乐剧史上的第二座里程碑”。该剧于1955年被搬上大荧幕，影片在同年获得奥斯卡的最佳音乐奖、最佳音响效果奖以及最佳电影剪辑等奖项提名。

●9.6安德鲁•劳埃德•韦伯的音乐剧电影音乐赏析

英国作曲家安德鲁•劳埃德•韦伯（Andrew Lloyd Webber），是20世界百老汇商业剧坛最具影响力的作曲家之一。1978年6月韦伯与词作家蒂姆•莱斯合作完成的音乐剧《艾薇塔》（Evita）（又被称为《贝隆夫人》）在伦敦爱德华王子剧院首演，并获得巨大成功。1996年，英国导演艾伦•帕克将此剧改编成为同名歌舞片（Evita，1996），由著名影星麦当娜饰演剧中的女主角艾薇塔——阿根廷总统贝隆的夫人，该片最终在1997年的金球奖评选中摘得最佳影片、最佳女主角和最佳原创音乐三项大奖。影片在音乐创风格上体现出较为自由和多元化的特色，作曲家将传统体裁与现代曲风、通俗歌调与摇滚节奏、世界流行风格与拉丁民族特色巧妙地嫁接融合，展现出一幅充满活力和多姿多彩的音乐画卷。
根据韦伯同名音乐剧改编的电影《剧院魅影》，是21世纪初期颇具代表性的一部歌舞片。为了能够更好地烘托本剧的情境，准确鲜明地塑造角色形象，作曲家韦伯为该剧创作了厚重、华丽、诡异并且极具抒情性的音乐。

●9.7安斯蒂芬•桑德海姆的音乐剧电影音乐赏析

斯蒂芬•桑德海姆，是美国音乐剧剧坛中的一位叱咤风云式的传奇人物。其代表作音乐剧《小夜曲》，根据瑞典著名导演英格玛•伯格曼的电影《夏夜的微笑》改编而成，之后于1978年由原舞台剧导演哈罗德•普林斯将该剧搬上大银幕，并邀请伊丽莎白•泰勒等明星饰演片中主要角色,影片获得第50届奥斯卡最佳原创音乐与改编音乐奖。
《斯维尼•陶德》是1979年于百老汇首演的桑德海姆另一部备受欢迎的音乐剧作品，该剧讲述了一个骇人听闻的惊悚传奇故事。2007年被华纳兄弟电影公司将其搬上大银幕，由著名导演提姆•伯顿执导，影星约翰尼·德普、海伦娜·伯翰·卡特、艾伦·里克曼等人主演，约翰尼·德普还凭借其在该片中的精彩演绎，获得了奥斯卡最佳男主角的入围提名。桑德海姆为该片的配乐，充分发挥了描绘场景、渲染气氛、塑造人物、揭示主题等方面的功效。

●9.8克劳德•米歇尔•勋伯格的音乐剧电影音乐赏析1

克劳德•米歇尔•勋伯格是法籍匈牙利人，他集唱片制作人、演员、歌手、音乐剧词曲作家等多重身份于一身，因与剧作家阿兰•鲍伯利合作完成音乐剧《悲惨世界》《西贡小姐》等作品而享誉世界。
2012年，《悲惨世界》被搬上大银幕，由著名导演汤姆·霍珀执导，休·杰克曼、罗素·克劳、安妮·海瑟薇、阿曼达·塞弗里等众多当红影星主演，并最终获得无数大奖。音乐动机和主题旋律的巧妙设计与编织，是该片配乐中的另一大特色。首先，作曲家对不同角色、思想、情绪、意向等精心设计了具有辨识性的音乐形象；其次，片中主要人物的音乐主题往往不是单一的，而是呈现出多样化和对立性的特点。

●9.9克劳德•米歇尔•勋伯格的音乐剧电影音乐赏析2

《悲惨世界》全片音乐素材的运用尽管在数量上较为精简，但却取得了非常有效的结果。作曲家勋伯格将相同或相似的音乐动机或主题巧妙地编织在不同角色的歌曲唱腔中，形成一种所谓的“音乐通感”现象。
《囚工之歌》整部影片最早出现的第一首歌曲，奠定了故事发生的背景基调并凸显了全片的“苦难”意象。《我曾有梦》是片中角色芳汀的代表性唱段，影星安妮·海瑟薇凭借对这首歌曲的精彩演绎，摘得了第85届奥斯卡、第70届美国金球奖最佳女配角的奖项。《你是否听到人民在歌唱》是全片配乐中最具感染力和号召精神的革命战歌。歌曲采用6/8拍，进行曲风格的合唱，铿锵有力的节奏为歌曲带来了奋勇前进的律动感。